Laboratoire musical, Non classé, Témoignage

BILAN 2020 (2/3) – Evolution logicielle

Dans le précédent article, j’ai abordé l’aspect matériel de 2020. Je n’ai pas acheté beaucoup de matériel… physique. Par contre je n’y ai pas été de main morte au niveau des VST (Virtual Studio Technology), plugins d’effets et instruments. Bien sûr, ils répondaient à des besoins réels, ou bien ils ont su me conquérir au détour d’une pub ciblée (je ne suis qu’un être humain). J’ai lu des centaines de tests, des milliers de commentaires, j’ai testés énormément de choses, j’en ai appréciées beaucoup, mais je vais vous lister ici uniquement les plugins d’effets qui sont devenus en 2020 mes incontournables presque à chaque projet, et les instruments VST qui m’ont le plus mis sur le cul par leur réalisme, dont je suis pratiquemment tombé amoureux et qui sont devenus mes références. Pour plus de clarté et d’exhaustivité, j’ai fait deux listes :
le TOP 10 des meilleurs plugins d’effets et le TOP 10 des meilleurs instruments VST parmi ceux que j’ai testés en 2020 (pas forcément sortis en 2020). Je n’ai évidemment pas tout testé, je n’ai évidemment pas les mêmes besoins ni les mêmes goûts que vous, j’ai évidemment zappé quelques bombes sorties en 2020 et qui m’ont échappé ou dont je me fiche royalement ou que j’observe au loin avant de me décider à les tester.
Ce ne sont pas des classements, il n’y a pas d’ordre car ce sont tous des vainqueurs, mes numéros 1 de 2020 pour moi.

NB : Les VST achetés pendant le Black Friday de Novembre 2020 et Noël dernier ne sont pas inclus dans cette liste puisque je ne les ai pas encore suffisamment testés. C’est à l’usage en 2021 que je verrai s’ils méritent d’être dans mon « best of » dans un an !


TOP 10 des plugins d’effets

1. WAVES GEQ : une vague d’EQ entre deux vagues de Covid-19

GEQ : Mon EQ a-do-ré, tellement précis et confortable, on voit clairement ce qu’on entend, on modifie chirurgicalement ce qu’on veut, et on a le choix entre bouger les curseurs un par un ou dessiner la ligne d’EQ comme si on était dans Paint. Je n’ai jamais aussi bien senti un EQ. Je sais, c’est pas bien, on ne sent pas l’EQ.
Il est vieux, il est sorti en 2013. Je ne suis tombé dessus que l’année dernière. Avant de le connaître, j’utilisais le C6 multiband compressor de Waves, qui m’avait tout de suite inspiré confiance visuellement parlant, avec lequel j’ai appris à repérer les fréquences sur lesquelles agir. Avec GEQ, j’ai appris à mieux doser l’intensité des corrections. Cet enthousiasme peut paraître un peu exagéré, mais un EQ c’est quand même super important pour travailler un mixage.


2. WAVESFACTORY Echo Cat : miaou, miaou, miaou, miaou

Echo Cat : Émulation par Wavesfactory du Copicat de Watkins, célèbre delay à bande utilisé notamment par Pink Floyd, soyeux et ludique, avec des presets assez créatifs et une tonne de réglages précis et réalistes. Pour habiller une voix ou une guitare en solo, c’est juste formidable. Quand on ne sait pas quoi faire pour épaissir quelque chose qui devrait bien sonner mais qui sonne un peu léger, un peu fin, insuffisant, c’est le premier truc que je tente, pour ne pas ajouter une autre piste qui n’a rien à voir en soutien.
Comme tous les delays analogiques, l’effet du wet mix est légèrement plus mat que la source, ce qui permet de consolider en évitant les collisions. Ça me rappelle pourquoi j’utilisais le delay de la pédale FX600 de Behringer (un multi-effets de Behringer) plus souvent et différemment de ma pédale de delay BOSS, qui a un son trop clair, probablement parce que ses composants sont de meilleures qualités donc trop précis dans la restitution du son.


3. KLEVGRAND Kleverb : la Suède n’a pas inventé que les Krisprolls

Kleverb : Une réverb excellente et très intuitive (« kleverb = clever reverb »), avec le petit EQ dans le coin pour vraiment modeler l’effet sans ouvrir un autre plugin en plus. L’interface graphique est jolie et bien ordonnée, comme tous les plugins de Klevgrand, entreprise suédoise de (klev)GRAND talent.
Ce plugin m’a fait reléguer le H-Reverb de Waves à la deuxième place. H-Reverb est un tout petit peu plus gourmand en ressources, et un tout petit peu moins intuitif dans son interface (je trouve), et me semble un petit peu moins réaliste, mais ça c’est subjectif. Il garde tout de même la médaille d’argent dans mon coeur. En fait toutes les reverbs sont intéressantes et différentes (on va en voir une autre tout à l’heure), chacune est appropriée à une situation particulière et donc elles ne sont pas interchangeables. Avoir plusieurs reverb avec des caractères différents est pratique.


4. SOFTUBE Tape : un tube mou qui tape dur

Tape : Une énième émulation de saturation à bandes, me direz-vous, mais quelle beauté et précision dans le grain apporté. Ce plugin donne littéralement vie à une piste froide, idéal pour donner un coup de pouce à des VST d’instruments. Je ne saurais trop comment expliquer, mais à chaque fois que je l’ajoute bien dosé sur une piste de batterie ou de guitare, ce plugin me comble de bonheur. Les comparaisons avant-après sont dingues, il est même devenu très rare que je n’en mette pas sur une piste. En outre, on s’en fout mais ce plugin est très joli (on voit les bandes bouger en temps réel, sans que ça ne mange trop de ressources).
Les émulations de saturation à bandes sont toujours très jolies et c’était d’ailleurs ce qui avait attiré mon attention sur la Kramer Tape de Waves, qui finalement qui ne m’a pas emballé très très longtemps. Ses saturations ne sont pas vraiment agréables quand on les pousse un peu, en tout cas pas conformes à ce que j’attends d’une imitation de lecteur à bandes magnétiques. Plus récemment, je m’étais laissé tenter par le J37 Tape de Waves, bien plus cool et réaliste que Kramer Tape : très intéressant pour stimuler la créativité (on peut faire des trucs dingues un peu extrêmes) mais il est peu emballant pour faire dans la subtilité.
Ce que l’on recherche chez une modélisation de lecteur à bandes, et que Softube Tape permet d’obtenir, c’est de la profondeur, de la « 3D » sonore, avec des harmoniques à dynamiques intelligentes qui accentuent le relief initial, avec un travail plus subtil qu’avec un EQ pour donner vie au son. Tout plugin de saturation n’aura pas le même résultat. Il faut que l’algorithme du plugin soit programmé de manière à « développer le spectre » d’une façon raisonnable et réaliste pour qu’on ait l’impression de ne pas juste détruire le son.


5. KLANGHELM SDRR : Super Disto Réaslite pour Radins

SDRR : Avec lui, vous aurez toutes les sortes de saturation avec tous les paramètres possibles, et une myriade de presets pour vous inspirer les meilleures corrections possibles, très pratique notamment pour sculpter les kicks avec finesse (c’est mon usage principal). Ce plugin a aussi un « exciter » digital qui ajoute des harmoniques avec transparence, un effet fuzz, et une version « desk » émulant une tranche de console. Ce plugin permet vraiment des saturations moelleuses, riches, aiguisées. Et en plus on peut décider de la taille de l’interface, détail non-négligeable. Tous les plugins de Klanghelm sont très intelligemment conçus (j’ai aussi le compresseur DC8C) et à un prix fou pour leur qualité : moins de 30 euros (vous connaissez les prix du marché hein, vous savez que c’est indécemment bas). Il y en a même quelques-uns qui sont gratuits.


6. KLEVGRAND REAMP : tenez-vous à la REAMP de l’escalier pour monter en qualité

REAMP : Quand on enregistre des guitares électriques avec des amplis ou des simulateurs d’amplis, on peut rater son coup. Quand on s’en rend compte seulement à l’étape du mixage, c’est problématique. Avec REAMP et ses réglages hyper détaillés, on peut sauver la situation. C’est une utilisation détournée que j’ai employée avec succès. A ma connaissance, aucun plugin ne sait être à la fois si actif, si précis dans ses corrections, sans ruiner l’équilibre global. Alors, si c’est efficace dans ce genre de situations, imaginez ce que ça donne quand on s’en sert véritablement pour du reamping à partir d’un signal direct, tâche pour laquelle ce plugin a été conçu. C’est précis, ça reste musical, ce n’est même pas si moche dans les extrêmes, tout serait utilisable, selon le contexte. Une version gratuite du plugin est disponible sur leur site. Klevgrand ne fait que des plugins brillants, indispensables. J’aime Klevgrand.


7. KLEVGRAND Knorr : le goût de la bonne soupe dans votre mix

Knorr : Ces Suédois sont décidément trop forts. Knorr un plugin de la famille des « exciters », avec la possibilité de paramétrer intuitivement avec un pointeur qu’on déplace avec la souris. Sur l’axe horizontal, on choisit la fréquence. Sur l’axe vertical, on choisit l’intensité de la distorsion qui générera des harmoniques pour faire émerger d’une manière délicate ce qui manque pour une basse par exemple. Klevgrand a sous-titré son plugin « Bass vitalizer », mais ça marche aussi pour des synthés qui manqueraient de corps. Plutôt que faire une correction sur un EQ, les harmoniques de Knorr sont plus subtiles. C’est mon plugin incontournable pour les modélisations d’Ondes Martenot (ayant pour base l’instrument Bowed Crystals dans le VST Equator de ROLI).


8. KLEVGRAND Haaze : un carré d’Haas en une seule carte

Haaze : Ce n’est pas un running gag, Klevgrand est vraiment mon coup de coeur de 2020. Faire glisser un instrument sur l’axe panoramique droite/gauche ne m’a jamais donné l’impression de le déplacer spatialement, car il le glisse juste sur un rail en 1 dimension. Haaze le déplace en 3D, en utilisant l’effet Haas pour créer l’effet psychoacoustique d’une largeur stéréo, même sur une piste en mono. Bien que m’ayant d’abord bluffé techniquement en 2015 (j’en ai mis partout pendant plusieurs semaines), le bx_stereomaker de Brainworx ne m’avait finalement pas convaincu musicalement. L’opération de « stéréofication » est effective, certes, mais je ne la trouve pas belle car le résultat n’est pas super réaliste. Je l’avais finalement laissé tomber pour utiliser des reverb légères traitées avec le S1 Stereo Imager de Waves, qui permet des rotations pour des déplacements circulaires autour du centre, pas cette translation latérale pas suffisamment réaliste. Haaze va encore plus loin, car lui il a un EQ panoramique paramétrable : 16 bandes de fréquences à répartir spatialement plus ou moins à droite ou à gauche. Ce plugin est très déroutant car il propose une interface révolutionnaire aussi simple à comprendre sur le papier que difficile à régler soi-même en pratique. Il faudra s’appuyer sur des presets qui orientent les choix, puis bidouiller pour éventuellement affiner les choses. Personnellement, je préfère ne pas commettre d’erreur en modifiant les presets de Haaze, pour ne pas bouleverser l’effet psychoacoustique précisément paramétré par les programmeurs de Klevgrand, et je fais mes modifications d’EQ avant ou après ce plugin.


9. VALHALLA Supermassive : Holalala Supergratis

Supermassive : Ce plugin est gratuit, ce plugin est gratuit, ce plugin est gratuit. Et il est fabuleux. Et gratuit. Je vous ai dit qu’il était gratuit ? L’équipe de Valhalla a décidé de le donner aux gens pour apporter une aide symbolique aux musiciens, pour aider les confinés à renouer avec le concept d’espace. C’est beau. C’est gratuit, je vous le rappelle. Sorti en mai dernier, ce plugin a été immédiatement téléchargé par ma personne, juste pour sa gratuité, radin/pauvre que je suis. Ses presets sont incroyablement inspirants. J’utilise Supermassive un peu comme l’Echo Cat dont j’ai parlé plus haut, pour étirer créativement l’image d’une piste, mais il traite le son d’une manière plus folle et plus affirmée. Pour remplir l’espace avec des réverbs créatives aux identités fortes, des délais modulés, c’est LE plugin que tout le monde devrait avoir dans sa boîte à outils. D’ailleurs chacun des presets porte le nom d’une constellation ou d’un objet céleste de grande envergure : Gemini, Hydra, Centaurus, Sagittarius, Andromeda, Large Magellanic Cloud… Voilà quelques aperçus de l’ambition de grandeur que vous pourrez avoir pour vos pistes !


10. SCUFFHAM S-Gear : Est-ce (Richard) Gere ? (je finis ce Top 10 avec un calembour génial)

S-Gear : La première fois que j’ai utilisé un simulateur d’amplis, c’était en 2013 avec Amplitube 3. Ça m’avait mis sur le cul d’avoir toutes ces couleurs d’amplis dans un seul programme, c’était grisant. A l’époque, j’habitais en Angleterre, et je n’avais pas de place dans ma chambre pour utiliser mon Vox AD50VT (que j’aime par-dessus tout et qui demeure irremplaçable dans mon coeur) donc Amplitube 3 était bien pratique. Il y a tous les amplis du monde (avec les vrais noms ou pas) : Fender, Vox, Marshall… et mon chouchou, Orange. J’ai eu Amplitube 4 plus tard, qui globalement fait pareil en mieux. A l’usage, j’ai finalement préféré opter en priorité pour les pédales SansAmp de Tech21, tout en utilisant Amplitube spécifiquement pour ses amplis Orange que je trouve très convaincants. J’ai voulu voir ce qui se faisait de plus pointu, plus réaliste. Après avoir enquêté, Bias FX (et/ou Bias AMP, j’ai jamais rien compris à leur offre) a l’air vraiment bien mais très cher et pas parfait. Oui, la perfection n’existe pas, je sais. Enfin, je le croyais. S-Gear est sobre, propre, tant en son clair qu’en crunch, ou disto. Toutes les guitares sonnent, avoir un réglage satisfaisant ne tient pas du miracle comme avec d’autres simulations d’amplis. Amplitube a été très frustrant sur ce point, très aléatoire. Impossible de ne pas aimer S-Gear, il fait l’unanimité. Mais ne croyez personne sur parole, jamais. Testez la version d’essai de 10 jours. Quant à Amplitube, je ne l’enterre pas du tout, et je testerai la version 5 qui est sortie il y a quelques semaines.


TOP 10 des instruments VST

1. ROLI Equator : l’open-world, des pôles à l’Equateur

Equator : Ok, j’ai découvert Equator en avril 2018, avec le clavier Roli. J’ai commencé avec le Seaboard Rise 25, qui a fait le bonheur de Leyne qui avait eu l’inspiration de faire un album instrumental tout entier, en une seule nuit, quelques heures seulement après avoir découvert la bête. Et plus tard j’ai réussi à trouver le Seaboard Rise 49, deux fois plus grand, pour un prix follement bas en excellentissime état en occasion. En neuf, ça coûte la peau du cul-cul. Oui, je me justifie, je ne suis pas riche : je suis chanceux ! Mais l’investissement en valait la peine.
Je ne dissocie pas le clavier Roli du VST Equator, car ils fonctionnent ensemble et sont indissociables (en vrai on peut hacker le truc et attribuer à Equator un autre clavier midi si on a aussi un Roli connecté en même temps). Equator permet de faire des sons incroyables, que je ne cesse de découvrir, et de fabriquer également. A chaque écran d’instrument, on a la possibilité de mélanger des bases différentes de son choix, d’en désactiver certaines, on sculpte tout ce qu’on veut pour faire tous les sons qu’on peut imaginer. Plus qu’un VST, plus qu’un clavier midi, le tandem clavier Roli / Equator a littéralement changé ma vie et ne cesse de me surprendre, encore aujourd’hui en 2021, presque trois ans après son acquisition. Equator 2 est sorti il y a quelques mois, je ne l’ai pas encore essayé, mais j’ai une confiance a-veugle en Roli et je l’ai téléchargé il y a quelques jours.


2. IMPERFECT SAMPLES Braunschweig Upright Piano : plus authentique qu’un vrai piano

Braunschweig Upright Piano : Depuis tout petit, je rêvais d’avoir un piano droit. A 6 ans, j’ai eu un piano numérique Korg, que j’ai adoré de tout mon coeur. Mais quand je touchais le vrai piano droit chez ma prof de piano, ou chez des gens, il se passait quelque chose de magique. Le son du bois, la vibration des cordes qui prenaient la couleur du bois en traversant la charpente de l’instrument… Irremplaçable. FAUX !
Ce piano droit d’Imperfect Samples est bouleversant. J’ai un Kawai ES8 que j’ai choisi car c’est le clavier qui me correspondait le mieux parmi tous ceux que j’avais pu essayer, avec toucher ivoire et bluffante imitation de la mécanique des marteaux. Pour aller avec ce clavier, il me fallait le bon VST de piano. Les deux sont inséparables. Avant de pouvoir être le résultat d’une programmation au clic de la souris, la musique est originellement une expérience physique d’interaction d’un humain avec un outil, une rencontre charnelle, une fusion entre un corps et une extension, une augmentation humaine antique. J’ai beaucoup aimé Addictive Keys de XLN audio (encore des Suédois !) qui a été pendant 5 ans mon piano de référence. Mais ce piano Braunschweig, quelle CLAQUE. Bouleversant. Il peut être lancé via Kontakt ou en VST indépendant avec moins d’options (j’ai cliqué partout sans rien trouver). Ce VST n’a pas l’air très connu, je suis même le premier à avoir laissé un avis sur Audiofanzine.
A chaque fois que je m’abandonne à lui, je le trouve encore plus beau que dans mes souvenirs de la précédente session. C’est le VST le plus bouleversant que j’ai eu entre les mains. Bouleversant. Pour 51,73 dollars, soit 42 euros environ, vous aurez la version basique totalement magnifique. Pour deux fois plus, vous aurez la version complète. Si vous êtes un pianiste amoureux des pianos, vous devez vous jeter sur ce VST immédiatement. Je n’ai pas d’actions et je ne touche pas un pourcentage sur les ventes, je veux juste que vous soyez heureux.


3.  EMBERTONE Walker 1955 Steinway D : le piano à queue qui vous fait remuer la vôtre

Walker 1955 Steinway : Quand j’ai trouvé le Braunschweig, j’avais mon piano droit, c’était clair et net. Mais je cherchais aussi mon piano à queue. Plutôt que vouloir mettre un piano qu’on aime à toutes les sauces, dans tous les styles, à grand renfort d’amputation spectrale, il semble plus intelligent d’utiliser le piano approprié. Et là, mama mia, on a un si beau Steinway. Fermez les yeux, le piano est là, avec de la rondeur, de la présence… Je vous souhaite d’avoir un piano midi que vous sentez bien, pour pouvoir avoir de quoi apprécier ce VST d’une classe qui n’a pour égale que… la petitesse de son prix ! 100 dollars pour la version standard (avec 12 couches de vélocité), et 150 avec les 36 (littéralement) couches de vélocités. C’est de la fo-lie. Que dire des différentes positions de micros qui permettent de viser avec l’angle de votre préférence. La classe. Il faudra juste choisir vos préférés si vous ne voulez pas encombrer vos disques durs. On est sur du 200 Go au total (30 go par config de micro).


4. PRODUCTION VOICES Grand Piano : un VST aussi gros que l’instrument original

Production Grand Piano : J’avais mon piano droit Braunschweig, mon piano à queue Steinway, pourquoi diable me fallait-il encore un autre piano ? Parce que j’aime les pianos à queue Yamaha qui ont une sonorité brillante, qui sonnent un peu moins « en dedans » qu’un Steinway. Cet instrument a un défaut : son prix. Cette fois-ci, on explose les 100 euros, avec un bon gros 329 dollars (environ 270 euros) (ramassez votre mâchoire), ce qui inscrit clairement ce piano dans la catégorie des trucs qu’on achète seulement si on est riche et/ou passionné. On n’est pas sur de l’achat compulsif potentiel là. Pour moi, c’est un défaut, même si la qualité globale le justifie (les deux autres pianos sont tout aussi parfaits mais moins chers, tout de même). Bon, il y en a un autre, de défaut : c’est son poids. J’avoue, je fais de la grossophobie mais seulement avec les VST. C’est louuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuurd. Pour vous donner une idée, j’avais tenté d’ouvrir ce VST en mars, avant l’achat de mon SSD. Mon pauvre disque dur avait mis environ 55 minutes pour charger tous les samples. Evidemment, ensuite l’instrument restait injouable tellement c’était au-delà des capacités de mon ordinateur. Avec un SSD, c’est sans souci, mais ça reste long : 7 bonnes minutes… pour lancer un instrument merveilleux qui tourne bien. Je lui pardonne. Je lui demande pardon, même.


5. SPITFIRE « Originals » Epic Brass and Woodwinds : anoblissement instantané

Epic Brass and Woodwinds : Que c’est compliqué de tomber sur des bons instruments à vent en VST. On a des « pouêt », des « zouiz », des « prout », rien de bien satisfaisant. Mais Spitfire a réalisé un modèle d’ergonomie (+ pas de Kontakt requis) et de beauté de son : la prise en main est intuitive, et ça sonne tout de suite, c’est vivant, c’est réel. Mais je vais être clair : comme d’habitude, ce n’est pas l’instrument qui fait tout, donc il faudra de la musicalité et des choix judicieux au niveau arrangements et compositions si vous voulez que ça sonne VRAIMENT de manière réaliste. Un bon outil utilisé n’importe comment peut susciter des facepalms, des rires. Ne désespérez pas : bossez, même si ce ne sont « que des instruments virtuels ». Bossez !


6. SPITFIRE « Originals » Intimate Strings : anoblissement instantané

Intimate Strings : Encore Spitfire ? Oui. Oh que oui ! Pour les interfaces, ils ont fait du travail à la chaîne : leurs instruments estampillés « Originals » ont tous la même. Vous êtes déçus ? Oh… Il n’y a aucun autre point négatif. Et toc. Leur série « Originals » est très précieuse pour les petites bourses, 29 euros chaque instrument. Et très précieuse aussi et surtout pour les amoureux des sons orchestraux avec des sonorités « pop » ou « cinématographiques ». Ces sons, plein de vie, s’insèreront sans mal dans un mix dans ces registres. Le sous-titre de cette série d’instruments VST est « Essential cinematic ingredients ». Il est donc totalement logique que ces violons aient du caractère, puisqu’ils ont vocation à souligner une image à l’écran. Ils sont là, prêts à l’emploi. Même conseil pour tous les produits Spitfire : renseignez-vous sur la musicalité des instruments que vous achetez, ça ne fait pas tout le boulot tout seul.


7. SCARBEE Rickenbacker bass : contre mes principes mais tellement bon

Scarbee Rickenbacker Bass : Jusqu’en 2015, je n’avais pas de basse. J’utilisais un pitch-shifter/octaveur sur une corde de mi grave de guitare électrique pour « remplacer une basse ». C’est la honte, et c’est aussi la classe d’être si obstiné que ça dans le DIY. Puis j’ai décidé d’acheter une vraie basse, même si c’est une solution très mainstream comparée à la précédente. Après plusieurs mois de recherches, j’ai opté pour une Squier Vintage Modified Jaguar Bass Special HB. C’est ma première basse, j’en suis très content. Quelques années plus tard, je cherchais une modélisation de guitare Rickenbacker 12 cordes en instrument VST, car c’est mon instrument préféré, que je m’achèterai plus tard quand je le mériterai, et quand j’aurai les sous aussi. Je voulais voir si je trouvais un truc équivalent en numérique (j’ai une Danelectro DC59-12 que je trouve super cool mais qui n’a pas cette couleur Rickenbacker évidemment). Je n’ai pas trouvé, snif, mais j’ai trouvé une basse Rickenbacker. Ma déception s’est vite envolée !
Avec cet instrument de Scarbee, je considère que j’ai une deuxième basse, une Rickenbacker 4003 de 1980 en plus, c’est pas dégueu. C’est vraiment super conforme au son de l’instrument original, quel bonheur ! Pour avec un jeu carré offensif, c’est parfait. Ça sonne vraiment comme du Red Hot, genre vraiment, merde ! Pour un jeu plus en dosage, avec du slide et du hammer, il faut que je bosse davantage la technique de ce VST, mais tout est possible.
On peut tout régler, TOUT : le preset du son si on est fainéant, ou alors carrément le baffle et le type de micro devant, l’ampli. Mais les machines que l’on voit sur l’interface graphique utilisateur ne sont pas là pour faire joli (enfin, pas que) : on a aussi un EQ, un compresseur, et une modélisation de lecteur à bandes pour soigner sa saturation. Il n’y a que deux choses à l’écran qu’on ne peut pas régler : la lumière et le tapis. Quel gain de m
Fun fact : sur le site de Scarbee, le VST est SOLD OUT. Mais comment hein quoi ? C’est un produit dématérialisé je vous rappelle, les gars, non mais ça va pas la tête ? Vous avez cassé le logiciel qui génère les clés d’utilisateur ? Bon, en vrai je pense qu’il s’agit d’un deal avec Native Instrument, puisqu’on trouve le VST sur leur site à eux. Ouf.


8. BEATSKILLZ Synthwave Drums : aussi cool que jouer à Streets of Rage

Synthwave Drums : Quel pied ! Des dizaines de kits de percussions électro très typées « synthwave », rétro, qui rendent hommage aux années 80. C’est puissant, c’est propre, c’est ludique, c’est rigolo, c’est efficace, et c’est 9 dollars (7,40 euros) en ce moment ! Impossible de passer à côté, c’est de la BOMBE.


9. DECENT SAMPLES : l’homme qui a rendu possible le voyage dans le temps

Decent Samples : Dave Hilowitz est un héros des temps modernes. C’est un compositeur qui a entrepris de sampler tous les instruments qui lui tombent entre les mains, et il est en train de constituer un catalogue épique de plus en plus large. Son blog commence en septembre 2018 avec l’histoire de son piano quart de queue, fabriqué en 1929, présent dans sa famille depuis les années 1950. Sa mère, pianiste, doit déménager, mais n’a pas de place dans son nouveau logement pour y emmener ce piano. Elle propose à Dave de le récupérer, mais lui non plus n’a pas la place pour l’accueillir chez lui. On peut alors imaginer leur coeur brisé quand elle a décidé de se débarrasser du piano en le donnant à quelqu’un d’autre. Quand on aime une image, on prend une photo. Si on aime un son, on peut l’enregistrer. Alors Dave a samplé ce piano, de manière à pouvoir garder une trace précise de la sonorité de ce piano-madeleine de Proust familiale. Ce piano est en téléchargement ici. Mais cet instrument n’est qu’un exemple parmi d’autres, et chaque sampling d’instrument est une histoire, une aventure que Dave vous raconte dans ses vidéos dans lesquelles sa passion est palpable, et contagieuse. Dave a réussi, par son art du sampling, à créer une forme de machine à remonter le temps, qui permet de jouer à des instruments fragiles, des instruments rares, des instruments singuliers, et ainsi rendre possible des choses qui logiquement ne devraient pas ou plus être possibles. Beaucoup de ses travaux sont gratuits, les autres coûtent une poignée de dollars. Bravo et merci à lui pour ce très bel engagement, et tout ce travail… à la fois pour la postérité de ces instruments et par générosité pour les musiciens curieux de nouvelles expériences.

10. SPITFIRE « Labs » : si c’est gratuit, alors je prends

– « Labs » : Spitfire sait diversifier son offre et toucher tous les publics. Pour ceux qui appartiennent à la mouvance « quand on aime on ne compte pas« , il y a du BBC Symphony Orchestra Professional pour moins de 1000 euros (999 euros). Pour les gens normaux, il y a la série « Originals » à moins de 30 euros (29 euros). Et pour les gens fauchés, il y a la série « Labs« , gratuite. On y trouve plus d’une trentaine d’instruments gratuits, disponibles en quelques clics. Ils ne sont pas tous magnifiques mais auront au moins le mérite d’exister pour inspirer au moins une personne quelque part un jour, donc ne vous moquez pas trop du Rare Groove Piano, par exemple. Blague à part, offrir tous ces instruments est très sympa, et vous allez faire comme moi, vous allez tout télécharger, et n’en utiliser que 2 ou 3 maximum au cours de l’année. C’est pas grave, ils seront tous là, en attente, disponibles « au cas où ». Comme les 3000 plugins d’effets qu’on a achetés car « ça pourra toujours servir ».

« Quand on l’écoute, on met un genou à terre tellement c’est pur. »

Oui, cet article sur les plugins et instruments VST est rempli de superlatifs, j’imagine que ça doit être usant à force de lire des termes forts galvaudés par mon enthousiasme débordant. Mais je vous jure, tout ça, ce sont mes trésors de 2020. Enfin, une partie de mes trésors. Le format « top 10 », c’est uniquement pour m’imposer la contrainte de ne pas parler de TOUT, juste des meilleurs. Mais j’ai quand même cru que je n’allais jamais finir d’écrire cet article. Sans mes notes dans mon cahier, je n’aurais pas pu faire cette liste, donc merci à moi-même d’être si méthodique. En tout cas, après l’évolution matérielle et logicielle, il ne nous reste plus qu’un seul aspect à aborder dans le prochain article pour le bilan 2020 : l’aspect artistique. A SUIVRE !

E.C.

Laboratoire musical, Project studio, Témoignage

BILAN 2020 (1/3) – Evolution matérielle

2020 n’a pas été spécialement une année blanche, même si 2020 n’a ressemblé en aucun point à 2019. J’ai donné moins de cours, j’ai fait moins de prod, et j’ai pu donc me pencher sur des sujets et faire plein d’expérimentations que je n’aurais peut-être pas pris le temps de faire en temps normal. Aujourd’hui je vais vous parler du principal aspect de mon évolution matérielle en 2020 : l’ajout d’une deuxième paire d’enceintes.

Gear Acquisition Syndrome : on peut en guérir… quand on a tout acheté

Il fut un temps où j’achetais tous les mois du matériel : câbles, pédales, processeurs, instruments… Comme tout le monde, je me disais « j’arrêterai les dépenses quand j’aurai tout« . Le problème c’est que ça ressemble beaucoup au G.A.S. (Gear Acquisition Syndrome) : on en veut toujours plus, car « ça pourra toujours servir« . Mais finalement mes achats de matériel se sont espacés, jusqu’à ne plus rien acheter, hormis les fournitures classiques (cordes, piles). Oui, à un moment on peut vraiment (considérer) tout posséder (ce dont on a besoin). En 2020, je suis passé au SSD avec un ordinateur fixe, petite révolution pour moi, habitué à des ordinateurs portables limités mais héroïques. Temps de chargement plus rapides, plus aucun plantage, meilleure résistance à l’effort donc plus de plaisir à travailler des mixes compliqués (« Parfait, comme ça je vais pouvoir ajouter encore plus de pistes dans mes morceaux« Mounir G.). Et l’unique autre matériel acheté, et unique matériel musical, est la pédale Fender MTG Tube Distortion qui est très souple (elle fait le grand écart), avec laquelle on peut avoir de la saturation équilibrée, ni trop criarde ni trop étouffée. J’aime toujours mes pédales Tech 21, qui ont chacune leur caractère propre, mais chaque disto est différente, et ça dépend aussi des guitares utilisées. Il suffit de changer un élément de la chaîne et on obtient quelque chose de différent. On pourrait presque dire qu’il n’y a pas de mauvais matériel, du moment qu’on réussit à les rendre appropriés dans une situation, compatible avec un but. Rien n’est universellement polyvalent, et rien n’est complètement inutilisable (voilà, je me suis assez justifié).

Quand y’en a pour 2, y’en a pour 4

La configuration de Noël 2020. Le sapin donne une acoustique particulière
car il absorbe les fréquences comprises entre 245 et 263 Hz. C’est vraiment très étonnant.

S’il y a bien quelque chose d’étonnant, c’est le retour de mes Yamaha HS80M que j’avais abandonnées en 2015 au profit de Mackie HR624 mk2 (obtenues à un prix RIDICULE en occasion). Peu de gens le savent : entre 2015 et 2020 je me servais de mes enceintes Yamaha comme d’une table de chevet, empilées et recouvertes d’une petite couverture, avec une lampe posée dessus (la lampe bleue, tu te souviens si tu es venu en 2019). Aucun respect. Mais elles fonctionnaient très bien, donc je les ai réhabilitées pour gagner une nouvelle perspective d’écoute.
Il était hors de question de superposer les Mackie et les Yamaha, j’aime mettre mes enceintes debout et à la bonne hauteur pour mes oreilles (et poser des enceintes sur autre chose qu’un support prévu à cet effet, bof). Je n’ai pas assez de place ni de recul pour les installer en face de moi quand je mixe. On doit former un triangle équilatéral avec ses enceintes de monitoring pour être dans le sweet spot, avec donc trois angles à 60°. Pour l’expérience, j’ai testé un placement délirant des Yamaha dans les deux coins sur mes côtés, de manière à ce que l’angle dont ma tête était le sommet faisait environ 120°. L’écoute était insupportable, l’image stéréo était débile, j’avais l’impression de devenir fou, et les problèmes de phase avaient tout simplement annihilé toute fréquence sous 250 Hz (là où se trouvent les basses intéressantes, c’est ballot). Finalement j’ai réinstallé mes « vieilles » Yamaha sur ma gauche, très rapprochées l’une de l’autre, orientées vers moi quand je mixe.
Les moins : je dois tourner la tête pour les écouter, et je n’ai pas d’image stéréo avec ces enceintes collées.
Les plus : ça me fait une écoute complémentaire de mes Mackie avec des enceintes qui ont un autre caractère, et avec cet angle il y a un déplacement du son très différent.
Cette perspective d’écoute supplémentaire me permet d’entendre des sonorités que mes Mackie ne restituent pas de manière aussi flagrante. Ces Mackie ont une excellente précision du bas médium aux très hautes fréquences. J’avais laissé tomber ces Yamaha parce qu’elles sont plus détaillées dans le bas du spectre. Les deux paires combinées me donnent donc deux perspectives musicales cohérentes, et je corrige donc mes mixes jusqu’à ce qu’ils sonnent comme je veux sur les deux paires (pas activées en même temps hein, je switche avec un contrôleur Palmer Monicon L). Combinée à la méthode des écoutes de référence (on compare son mix à des morceaux de référence du même style, ou avec des attributs desquels on s’inspire et dont on veut se rapprocher), cette configuration fait que je n’utilise presque plus mes casques pour mixer, juste pour vérifier des détails. Je trouve plus confortable et plus « réaliste » de travailler sur de la musique qui sort d’enceintes. Attention, je ne suis pas de ceux qui martèle que « bien mixer au casque est impossible » car avec de la méthode et de l’habitude, tout est possible.

Casques et enceintes : deux écoutes fondamentalement différentes

Super, j’ai trouvé sur internet un beau schéma que je n’aurai pas besoin de faire moi-même !
Dommage pour vous, car j’ai un incroyable talent dans Paint et Photo Filtre.

L’inconvénient d’une écoute au casque, c’est la position que l’on a et qui a une incidence sur l’image stéréo perçue, ça l’étire et la rapproche du… cerveau. Avec des placements panoramiques extrêmes (en mono latérale, 100% à droite ou 100% à gauche), on a du son qui sera entendu par une seule oreille. Alors qu’en face d’enceintes, l’oreille droite entend ce qui sort de l’enceinte gauche et inversement. C’est cette captation croisée (impossible avec un casque) (sauf si vous le mettez GIGA FORT) entre ce qui est perçu par les deux oreilles qui permet de déterminer d’où vient le son que l’on entend. Ce volume d’air parcouru par le son n’existe pas avec une écoute au casque, ce qui donne une base spatiale « vierge » nécessaire pour virtualiser l’acoustique d’un autre lieu. Si le logiciel connaît votre casque, il existera un preset pour créer une association matériel-logiciel optimisée. Ces logiciels de simulations d’acoustiques ne sont pas que des presets de reverb, il y a une correction d’EQ sur-mesure par rapport à la courbe de réponse en fréquence de votre casque. Un peu comme Sonarworks propose avec Reference 4. Il ne faut donc pas s’enflammer et foncer sur ces simulateurs d’acoustiques de studio sans se renseigner auparavant sur la présence de preset pour votre casque. Tout en gardant bien à l’esprit deux choses :
Abbey Road Studio et Realphones (pour ne citer que ceux dont j’ai récemment entendu parler) ne sont pas des correcteurs automatiques de vos mixes, mais des perspectives auxquelles il faudra s’habituer, de la même manière qu’avec des enceintes de monitoring physiques ;
– deux personnes avec le même casque n’entendront pas la même chose.
Comment ça, le « vrai bon son » n’arrive pas automatiquement dans nos oreilles quand on a des simulateurs de pièces traitées ? Et on n’a pas tous les mêmes oreilles ? Comment on fait pour updater le driver pour ses tympans ?

« L’intelligence, c’est la faculté d’adaptation. »André Gide

Un exemple de traitement acoustique exemplaire.

Ces simulateurs d’acoustiques sont super bien foutus et c’est sacrément pragmatique : ça virtualise un espace dans votre casque en le calibrant d’une manière réaliste pour avoir les mêmes conditions d’écoute partout où vous serez, sans avoir des sources réelles qui pourraient arriver directement dans une seule oreille. C’est vraiment super, mais ça ne me semble absolument nécessaire que si vous êtes nomade, si vous mixez dans un gymnase, ou si vous vivez dans un environnement constamment bruyant duquel vous vous échappez avec votre casque fermé. En gros, si vous n’avez aucun lieu où mixer avec des enceintes. Si votre pièce est trop vide et n’est pas du tout traitée, remplissez-la, pas forcément avec des diffuseurs acoustiques chers, il y a aussi de la mousse acoustique à mettre sur les murs, des bass traps dans les angles, et puis aussi (j’aurais dû commencer par ça) bien positionner son bureau et ses enceintes (viser des positionnements centrés, loin du mur). Plein de petites choses à faire (pour quelques euros) et à ne pas faire (pour 0 euro car ça ne coûte que le fait d’avoir été informé).
Si vous ne faites pas confiance en vos écoutes sur vos enceintes de monitoring, pensez-vous vraiment que vous pourrez n’avoir absolument aucun doute dans vos écoutes au casque avec un simulateur d’acoustiques ? Ces logiciels ne font éviter ni les questionnements ni les problèmes, ils recréent juste un nouveau cadre dans lequel on a l’impression que la solution est plus proche, mais les problématiques restent les mêmes en réalité. C’est d’ailleurs la raison pour laquelle je n’ai pas encore mis à jour mon système audio avec Reference 4 (que j’ai acheté lors du dernier Black Friday), car je connais très bien mes enceintes et la pièce où je mixe, et j’ai commencé des projets avec un workflow à deux perspectives d’écoutes, j’ajouterai cette troisième après, au démarrage d’un nouveau projet.

Ecoutez vos oreilles

Vous ne saviez pas que c’était si coloré à l’intérieur de votre oreille.

L’outil le plus important reste sa paire d’oreilles. Il faut apprendre à faire connaissance avec ses enceintes, il ne faut pas les accuser trop rapidement de ne pas être transparentes. Il faut comprendre comment la musique existe, se comporte dans votre environnement acoustique en écoutant des morceaux que vous connaissez depuis longtemps, des morceaux de référence dont la production font l’unanimité, pour ensuite essayer de faire réagir votre environnement acoustique de la même manière avec vos mixes. On peut considérer que toutes les conditions d’écoute déforment de manière particulière le son émis. L’expérience d’écoute dans votre studio à l’acoustique imparfaite peut se présenter comme l’équation qui suit :
morceau de référence + déformation de votre acoustique = votre mix + déformation acoustique
Vous ne pourrez pas soustraire la déformation de votre acoustique, il faudra donc faire avec, l’accepter dans toutes vos écoutes. Si vous savez que votre pièce favorise une fréquence, elle favorisera cette fréquence sur tous les morceaux, les vôtres et aussi ceux de toute l’industrie mondiale. Donc ne baissez pas cette fréquence pour que ça vous semble équilibré, car ce serait une correction ponctuelle subjective, indexée sur votre ressenti qui ne se base que sur votre sensation au moment de l’écoute. L’audition est un sens très élastique. On peut très bien se souvenir de la sensation d’un mix équilibré, mais être incapable de prendre une mesure fiable lors d’une écoute si on a les oreilles fatiguées, ou juste érodées par l’adaptation au son perçu au préalable. L’oreille possède un compresseur multibande, le réflexe stapédien, qui compense (dans certaines limites) les excès afin de protéger l’oreille interne. Je parle justement de ces limites organiques (mais pas que) dans cet article : « La recherche d’objectivité dans le travail sur le son« .
Ces logiciels de simulations acoustiques sont des déformateurs de son particuliers, conçues de manière précise pour être conformes à un modèle. Ce sont des déformations pré-réfléchies qu’on appelle « correction« , qui font changer de perspective. Mais dans l’absolu, vous aussi, vous pouvez décider des déformations vous-mêmes, pour vous focaliser par exemple sur certaines zones du spectre, vous pouvez sortir de votre studio, fermer la porte, et écouter du couloir ce que ça donne, ou vous pouvez booster la tranche de votre choix pour « zoomer », et effectuer cette opération sur le master sur votre mix et aussi sur le(s) morceau(x) de référence. L’idée est de comparer à titre indicatif, de se faire une opinion, sans forcément chercher un alignement strict, car je pense qu’il faut aussi laisser chaque morceau avoir son caractère. C’est normal de rechercher une transparence, pour limiter l’impact de ces déformations. Vouloir à tout prix un lieu parfaitement transparent pour mixer est le rêve de ceux qui veulent faire l’économie d’une prudence d’écoute. Ceux qui connaissent bien leur lieu de travail savent bien sur quels points porter leur attention. Ceux qui savent que leurs conditions d’écoute sont loin d’être parfaites sont plus prudents que ceux qui pensent que leur acoustique est parfaitement fiable.

Une acoustique imparfaite n’empêche pas de faire du bon boulot. Une acoustique parfaite n’empêche pas de faire du mauvais boulot. Le signal implique une relation entre l’émetteur (le système audio) et le récepteur (les oreilles), en passant par le canal de transmission (l’environnement acoustique), suivi ensuite par un traitement intellectuel de ce stimulus, pour s’en faire une opinion à la lumière de sa sensibilité artistique, façonnée par sa culture et son expérience. Une remise en question constante est donc impérative pour évaluer ses certitudes. Merde, on voulait juste s’amuser à fabriquer de la musique au début. Si on avait su…
Au début, j’avais dans l’idée de faire un petit post sur Facebook pour lister mes évolutions de toutes natures, et puis je me suis dit que j’allais écrire tout proprement dans un article, et finalement cet article sur l’aspect matériel est déjà assez long. Alors… A SUIVRE !

NB : J’ai posé mon sapin sur mes Yamaha, certes, mais sous le sapin il y a un support Auralex qui absorbe toutes les vibrations : les branches du sapin et l’étoile tout en haut demeurent IMMOBILES même quand je balance la sauce très fort juste dessous. J’avais fait un test en aveugle avant de poser le sapin : avec ou sans ce pad Auralex, je n’ai perçu aucune différence.

-Enzo

Laboratoire musical, Non classé, Project studio

Pourquoi des processeurs plutôt que des plugins ?

J’ai récemment mis à jour ma chaîne audio d’enregistrement avec un compresseur en hardware (le KT-2A de Klark Teknik). J’avais l’habitude d’utiliser un compresseur en plugin (le CLA 2A de Waves est pas mal !) et donc de véritablement construire mon son « in the box », dans l’ordinateur. Tant qu’on n’a pas utilisé de compression, on ne sait pas ce que va donner le résultat, c’est un paramètre déterminant pour l’aspect du son.
Avec le temps, j’ai compris qu’il fallait essayer d’enregistrer comme s’il n’y avait pas de post-production, pour faire de son mieux sans remettre à plus tard la résolution d’un problème. J’ai envie de changer d’approche, non, d’ajouter une approche à ma palette : l’approche directe, la philosophie du court trajet.


Bidouiller sur l’ordi, c’est rigolo et passionnant. Mais pourquoi faire compliqué quand on peut faire simple ? Est-ce qu’utiliser plusieurs processeurs c’est faire simple ? Oui, avoir un son exploitable avant même d’avoir allumé son ordinateur, c’est faire simple.
La philosophie du court trajet, c’est l’idée du plug & play. Et ça, c’est se simplifier la vie : si j’enregistre un signal non-traité, ce signal brut a peu de chance d’être utilisable tel quel. Il faudra 9 fois sur 10 compresser (pas forcément beaucoup) et retravailler le spectre avec un EQ. Si on fait une prise de voix ou d’instrument acoustique avec un micro classique, on n’aura que de légères rectifications à apporter. S’il s’agit d’une guitare électrique, il faut véritablement fabriquer le son, car tout est possible puisque ce n’est pas un instrument acoustique mais un signal capté par des micros magnétiques et retranscrit dans un ampli pour donner du corps à des cordes de guitares électriques qui sembleraient bien faiblardes si on n’était pas branché. Ecoutez vos guitaristes électriques préférés, il n’y a pas deux fois le même son, chacun a son propre son, qui lui ressemble.
J’utilise beaucoup les pédales SansAmp de Tech 21 NYC (photo ci-dessous), qui émulent très bien toutes sortes d’amplis de couleurs différentes (la couleur, c’est le caractère, le timbre d’un son). Une infinité de combinaisons de réglages sont possibles pour chacune, tout comme pour un vrai ampli.

Si le son est déjà prêt avant l’étape d’enregistrement/mixage, alors je peux retrouver les bonnes sensations du live et mieux extrapoler comment utiliser l’instrument par rapport au morceau en cours d’enregistrement. En fait je n’aurais plus à extrapoler, j’entendrais le son tel qu’il sera enregistré, déjà caractérisé. Et si j’ai un préréglage idéal, ce sera un bon point de départ à chaque fois pour avoir un son de guitare que j’estime réaliste : techniquement viable donc utilisable, personnellement à mon goût donc une extension instrumentale de ma voix, et intelligible pour d’autres gens qui pourraient l’entendre sans (trop) grimacer si possible.
Je n’aurai pas forcément toujours besoin de tous mes processeurs externes, je peux toujours faire des prises directes, tout droit dans ma carte son, pour avoir le signal le plus pur possible. Seul le résultat compte, peu importe la méthode. Si je compte sur le hardware, c’est pour avoir un bon résultat avec le minimum de galères (voire aucune, soyons gourmands !). Pour gagner en vitesse, et pouvoir être encore plus productif en encore moins de temps. Et pouvoir peut-être enfin partir en vacances sans une to-do list écrasante pour mon retour.

Dernier arrivé, je n’allais pas juste poser le compresseur sur les autres processeurs. Dans un premier temps, le défi était de lui trouver sa place dans le circuit… et dans mon meuble aussi. Les processeurs ont les potentiomètres en façade, mais ma carte son (SPL Crimson avec les lumières oranges sur la photo ci-dessus) a ses contrôleurs sur le dessus. J’ai donc réarrangé tout ça, ajouté une étagère, et placé à part le processeur un peu plus superflu (le processeur de reverb).
Généralement, dans un « vrai » studio, les processeurs sont encastrés dans des meubles, ou empilés et vissés en rack, dans des petits meubles prévus à cet effet. J’ai opté pour les fils de fer souples pour attacher les processeurs les uns aux autres. Et j’ai mis un bout de polystyrène entre deux processeurs plus profonds que le kt-2a (vraiment tout petit) pour que ça ne se casse pas la figure. Ils restent bien groupés, et à portée de main, c’est tout ce qu’il fallait.

Les lumières s’allument… Il y a du signal entrant… et il y a aussi du signal sortant ! Victoire ! Mais est-ce justifié ou est-ce que c’est juste de la branlette pour l’image ? Bah les deux évidemment !

Voilà ce que ça donne dans l’ordre :
1. SPL GoldMike : le préampli de départ, pour toutes mes entrées, niveler le volume et éventuellement ajouter du gain.
2. Klark Teknik KT-2A : le compresseur, pour contrôler les variations de volume, éviter que ça ne parte dans tous les sens.
3. SPL Charisma : certains le considèrent comme un compresseur (pour moi c’est la conséquence de son rôle sans être son but), mais sa fonction première (et unique en fait) est de générer du gain pour donner un peu d’énergie, d’éclat au son, avec des distorsions mesurées.
4. SPL Vitalizer MK2-T: un EQ subtil pour travailler le spectre, après avoir façonné l’énergie avec les autres bestioles.

5. TC Electronic M-One XL : le seul processeur numérique (pas à lampes donc) du circuit, qui génère de belles reverbs, chose pas si facile à obtenir avec des pédales d’effets de guitare. Ce processeur reste toutefois en concurrence avec deux plugins : Spring d’Audiothing et H-Reverb de Waves.

A bientôt au studio pour faire de la musique ensemble !

E.C.